“Victor Hugo au cabaret !”
Après s’être attaqué notamment à Proust et à Shakespeare, le duo des Philippe (Philippe Honoré, adaptateur, et Philippe Person, metteur en scène) jette cette fois son dévolu sur un monument de la littérature française : « les Misérables » de Victor Hugo, avec trois comédiens et en une heure et quart. Était-ce trop ambitieux ? Dans l’agréable et réputé Lucernaire, on constate avec ce spectacle que l’audace n’est pas toujours payante.
(…)
Acteur principal : Laurent Terzieff. Auteur : Jean-Pierre Siméon. Metteur en scène : Christian Schiaretti. Théâtre : l’Odéon. Affiche alléchante, n’est-ce pas ? On n’en demande pas plus et on y coure. Malheureusement, la déception fut à la hauteur de l’attente : immense. Je pense sincèrement ne m’être jamais autant ennuyé au théâtre que ce soir-là. Jean-Pierre Siméon revisite le mythe antique écrit par Sophocle : Ulysse l’expérimenté assigne une mission au jeune Néoptolème, fils d’Achille : s’emparer de l’arc et des flèches de Philoctète, sans lesquels Troie ne peut être prise. Pour y parvenir, il faut recourir à la ruse – ces armes divines héritées d’Héraclès rendent en effet Philoctète invincible. Or Philoctète, blessé et incurable, n’a jamais pardonné aux Grecs (dont Ulysse) de l’avoir abandonné neuf ans plus tôt sur une île déserte pour ne plus avoir à supporter ses hurlements et la puanteur de sa plaie. Seul Néoptolème peut espérer gagner la confiance du vieux guerrier, car lui seul ne s’était pas embarqué avec l’armée grecque en ce temps-là. Le noble fils d’Achille doit donc mentir à l’infirme et lui faire croire qu’il déteste lui-même les Grecs depuis qu’ils lui ont refusé les armes de son père mort, décernées… à Ulysse. Et la version de Siméon de ce drame antique est très belle, grandiloquente même… endormante, en fait.
La superbe salle de l’Odéon reste allumée et les acteurs arrivent des deux côtés des entrées public, restent devant le premier rang ou monte sur le devant de la scène. Tee-shirts moulants, pantalons militaires pleins de poches, bouclier grec et glaive de pacotille : l’ensemble est ridicule et on ne peut plus discordant. Et nous voilà parti pour une éternité de verbiage. Les pauvres comédiens passent 1h45 à parler, plantés comme des piquets sur le devant de la scène ce qui leur laisse à peine 2 mètres de profondeur, devant un immense mur en métal brossé qui ferme toute la scène et symbolise la grotte de Philoctète. L’entrée de Terzieff est théâtrale à souhait, on entend d’abord sa voix caverneuse (c’est le cas de le dire), puis il apparaît lentement, traînant sa patte malade. C’est un très grand acteur, un mythe à lui seul : il méritait beaucoup mieux. Il se lamente, tord ses mains de façon continuelle, sa belle voix est en perpétuelle plainte… On dirait la réincarnation de Sarah Bernhardt. Il réussit la prouesse non seulement de ne pas nous émouvoir mais en plus de nous agacer. Un fait qui parle de lui-même : il y eut des rires au moment où il s’écroule de douleur sur scène. Quant au deuxième rôle, David Mambouch donne l’impression d’être le sosie de Brad Pitt tout droit sorti du film “Troie”, bellâtre musclé au cheveux longs et bouclés : tout comme Terzieff dans un autre genre, il correspond physiquement de façon parfaite à son personnage. Malheureusement pour nous, il n’a pas du comprendre ce qu’était la finesse : il ne joue pas, non, il ne déclame même pas : il crie. Il ne fait que ça. C’est insupportable. On passe toute la durée de la pièce à vouloir qu’il se taise, c’est plutôt mauvais signe pour un acteur.
Le fait que la salle reste allumée, que les acteurs soient à moitié dans la salle et à moitié sur le rebord de la scène, peut-être un peu les costumes aussi, tout cela donne la désagréable impression que l’on assiste à une mauvaise répétition, pas à un spectacle. Si vous comptez aller voir cette pièce, ne lisez pas ce qui va suivre, je révèle le seul effet de surprise de la soirée. Alors qu’on a passé 1h45 à se demander pourquoi le metteur en scène avait choisi de ne pas utiliser la scène, et tout juste 5 minutes avant la fin, l’unique effet de scénographie nous surprend tout à coup : l’immense mur de métal se découpe en un trapèze, les parties sur les côtés disparaissent dans les cintres et la partie centrale tombe doucement en arrière, révélant une gigantesque mise en perspective vers le fond de la scène ou apparait, deus ex machina, le dieu Héraclès, devant une toile peinte représentant des nuages indigne d’une kermesse et avec force fumigènes. C’est là qu’on se rend compte à quel point la scène de l’Odéon est grande, et qu’on pense aux acteurs, obligés de jouer dans la salle ou sur l’avant-scène très étroite coincés devant ce mur invraisemblable. L’effet n’a duré que quelques secondes. On reste interloqué aussi quelques secondes. Et on passe de l’ennui au rire. Le ridicule continue. Le mauvais goût et le démodé aussi. Le metteur en scène Christian Scharietti, directeur du TNP de Villeurbane, n’est pas n’importe qui, et je serai heureux de pouvoir voir d’autres de ses pièces. Celle-ci en tout cas est un ratage monumental. Un tonnerre d’applaudissement salue cette “gentille catastrophe” comme dira le journal Le Monde. Peut-être s’empresse-t-on d’applaudir Terzieff avant de ne plus le pouvoir du tout. Ca suffit comme ça, on est parti au milieu des saluts. De ce genre de soirée aussi ratée, il vaut mieux en rire qu’en pleurer. C’est ce qu’on a fait.
Vous connaissez la Comédie des Trois Bornes, dans le XIème ? Non ? Quel dommage ! C’est un charmant petit théâtre d’à peine cinquante place, chaleureux, accueillant, on se croirait presque en famille, tant la proximité forcée entre les acteurs et les spectateurs rend la soirée conviviale et bon enfant. Il s’agit ici de “Pièces à conviction”, un titre qui cache deux courtes comédies de Jean Franco, auteur de succès tel que “Elle nous enterrera tous” ou encore “Panique au ministère”. Ca commence par un long silence entre deux personnages dans l’ambiance feutrée et jazzy du bureau d’un directeur de théâtre. Son premier mot donnera le titre à cette première pièce-là : ce sera “non”. Non à qui, à quoi ? A l’autre personnage, auteur dramatique qui vient d’essuyer son sixième refus malgré son talent incontestable. Alors pourquoi ce directeur qui l’a engagé en tant qu’auteur permanent de son théâtre s’évertue à refuser ces pièces tout en reconnaissant leur grande qualité ? On découvrira la raison au bout d’un affrontement entre les deux hommes où il sera question d’amour, de carrière, et… de pistolet. Après un changement de décor très réussi, rapide et efficace, où la table du bureau se transforme astucieusement en balustrade d’un pont de Paris, on assiste à la deuxième pièce courte : deux heures du matin, sur le Pont des Arts. Il sera ici question de suicide, d’arbitrage, et de galanterie. Et tout n’est pas bien qui ne finira presque pas bien. On rit énormément et franchement devant ces comédies pleine de fraîcheur et de bons mots, et on est heureux aussi de pouvoir enfin rire devant une comédie qui n’utilise pas l’amant dans le placard. L’ensemble est vraiment drôle, bien écrit, avec beaucoup de rythme grâce à une mise en scène simple et efficace de Nassima Benchicou. Mais la réussite de la soirée doit surtout au talent de ses comédiens, dont la jeunesse n’a rien à envier à leur expérience de la scène et leur énergie. Chapeaux bas aux deux excellents comédiens (Nicolas Lumbreras et Romain Francisco) qui jouent dans les deux pièces et réussissent des compositions de personnages bien distinctes. Ne boudons pas notre plaisir devant tant de drôlerie et de fougue : c’est une excellente soirée, un très bon moment, sans prétention, mais tellement agréable ! On en ressort le sourire aux lèvres, et on retient ce théâtre : c’est à la Comédie des Trois Bornes !
Jacques Weber, ce comédien d’exception que l’on ne présente plus, nous offre le délicieux cadeau d’un seul en scène au théâtre Marigny. Alors bien sûr on y court, sachant à quoi l’on doit s’attendre : on le connaît cabot magistral, passionnant colosse, serviteur amoureux de son art… Il est tout ça à la fois et bien plus encore. C’est un comédien imposant, impressionnant, qui offre une leçon de théâtre à chacun de ses regards, chacune de ses intonations. Il emplit la scène de sa présence et enveloppe la salle de son rayonnement, avec une voix parfaite, chaude, posée. On boit ses paroles et on le dévore des yeux avec un plaisir et une gourmandise immenses. C’est une ode au théâtre, à la vie, par le truchement d’auteurs très différents : Rostand, Rimbaud, Corneille, Duras, Devos, Musset, Courteline, Molière… On est bien loin de tout intellectualisme élitiste, car l’acteur sans que l’on s’y soit attendu, fait preuve de beaucoup d’humour et même d’auto-dérision (il faut le voir chanter “l’école est finie” !) Ou encore dans une version déjantée du Corbeau et du Renard où il transcende un texte que tout le monde connaît en un tour de force d’anthologie à mourir de rire. Les effets de lumière sont anecdotiques mais le servent finement dans les moments plus portés sur l’émotion. Il s’amuse à parcourir toute la vie d’un homme à travers le théâtre en une heure et demie : on le voit petit garçon en pension, jeune homme découvrant la drague grâce au Lagarde et michard du XIXème siècle, puis mûrissant peu à peu jusqu’à se transformer devant nous d’une façon éblouissante en vieillard de plus en plus âgé. Il est extraordinaire : crédible à chaque âge qu’il joue, impressionnant dans ces compositions, magistral dans les textes qu’il livre avec délice au public attentif. On rit beaucoup, on est conquis, emporté, enthousiaste. Ce spectacle est à son image : rempli de finesse, de plaisir, de justesse, d’intelligence. Un grand moment dont il serait dommage de se priver.
L’Avare fait partie des pièces les plus jouées dans la célèbre maison de Molière. Alors, la Comédie-Française peut-elle encore décevoir avec un tel classique ? Oui. Ce dimanche après-midi, en “matinée” théâtrale donc, on était allé s’enfermer avec plaisir dans ce si beau théâtre pour savourer une nouvelle fois ce grand texte classique que l’on connaît bien. La Comédie-Française, c’est le luxe, les moyens, que l’on sent dans l’ambiance, le bâtiment lui-même, mais aussi dans le décor bien sûr. Et j’ai failli m’étrangler au lever du rideau : l’entresol d’une grande maison, immense, à l’échelle de tout le reste : immense fenêtres et barreaux en fer, et immenses volées d’escalier, qui suggèrent une montée aux chambres et une descente au jardin. Tout est en imitation de carrelage et de fer forgé, c’est proprement éblouissant. Notez bien un détail qui explique cela : le scénographe est aussi… un architecte ! A ce niveau-là de réalisme et de grandeur, ce n’est même plus un décor de théâtre, c’est du cinéma, un morceau de réalité posé sur scène. L’idée que l’élément central soit ce grand escalier est une excellente idée de dramaturgie : les marches, on les dévale, on les grimpe, ce n’est pas le lieu pour installer une scène entre des personnages, on ne fait qu’y passer, on s’y cache, on s’y couche, bref, c’est très intéressant pour le jeu en perpétuel mouvement et évolution qui ne peut donc pas “s’installer” comme il le ferait dans un salon. Autre belle idée, la lumière sur scène provient presque exclusivement des fenêtres côté jardin : cela donne l’impression d’une vraie lumière du soleil qui suit les moments de la journée, c’est plus doux, encore plus réaliste, et avec de belles ombres portées des barreaux sur les grandes dalles du carrelage.
Quant à la distribution… Ne nous voilons pas la face : on ne voit qu’Harpagon, autrement dit Denis Podalydès. Tout le reste de la distribution (à l’exception peut-être de Maître Jacques/Jérôme Pouly et La Flèche/Pierre-Louis Calixte), est cruellement en faiblesse. Oui, même à la Comédie-Française c’est possible. Les rôles féminins surtout, ainsi que les jeunes premiers, sont particulièrement décevants, plats, presque horripilants. Podalydès, on l’a beaucoup dit, ne correspond pas à l’image d’Epinal de l’avare comme vieillard souffreteux. Tout de noir vêtu, comme portant le deuil de sa propre joie de vivre, il saute, court partout après son argent, s’agite sur les marches comme une sombre araignée menaçante. Son jeu à lui seul est une véritable Master-class de théâtre, un régal de finesse et de justesse qui rend longues les rares scènes où il n’apparait pas. Il est parfait, magistral : c’est le point fort du spectacle qui repose sur ses épaules.
Malheureusement, dans une scénographie et des lumières aussi hors normes, et avec un acteur exceptionnel… la mise en scène est inexistante. C’est Catherine Hiegel qui s’en est chargée, et on voit que c’est ce que pourrait s’appeler une “mise en scène de comédien”. C’est à dire qu’il n’y a aucune idée originale, ce n’est que de la mise en place, en espace, et une juste direction d’acteurs sur les enjeux. Résultat : c’est plat. Ni surprenant, ni émouvant, ni original : inintéressant quoi. La seule “trouvaille” est la fin, et voilà que cette seule et unique “idée” de mise en scène finale est mauvaise : dans un ballet d’opérette particulièrement risible, tous les comédiens, avec batons de majorette enrubannés, entourent Harpagon qui serre sa cassette. C’est ridicule et inutile. Même le fameux monologue de l’Avare que l’on attend tous au tournant est décevant : Harpagon, éclairé par une poursuite, saute dans la salle à la recherche de son voleur en marchant sur les fauteuils et interpellant directement les spectateurs : en plus d’être on ne peut plus vu et revu, ce procédé d’éclatement du quatrième mur est très mal venu dans une mise en scène aussi classique qui, à cette mauvaise exception près, respecte ce principe du quatrième mur et de l’illusion du réel avec un acharnement fatigant. Les costumes sont à l’image de la mise en scène : classico-classiques, dans l’exacte reproduction de l’époque de Molière. Tout cela est presque trop : un cadre trop démesuré pour une mise en scène trop classique. Et trop, est-ce trop ? On a l’impression de voir une pièce de musée, avec encore un peu de poussière dessus : ça correspond parfaitement à l’idée qu’on se faisait de la pièce quand on avait 15 ans et qu’on l’étudiait mollement au collège. Alors cette version de la Comédie-Française est peut-être uniquement destinée aux scolaires, aux professeurs de français, aux familles qui veulent une sortie culturelle sûre. Il en faut pour tout le monde, c’est vrai.
Pierre Santini chante Paolo Conte en fançais dans son théâtre du Mouffetard.
Le grand Pierre Santini est chez lui pour servir Paolo Conte qu’il aime : on le sent à l’aise, encore mieux : heureux. Derrière ce micro, on ne voit plus un personnage, on voit l’homme et on découvre le chanteur. Quelle voix ! Elle dépasse en grave et en beauté celles de Pierre Arditi et Roland Giraud réunies, ce qui n’est pas peu dire ! Cette voix si belle nous envahit, nous transporte. Qu’on le sache, Pierre Santini chante vraiment bien, et son habitude de la scène en tant que comédien lui permet de l’occuper de façon agréable, sans rester immobile collé à son micro. La mise en espace et en lumière de Gérard Gelas est aussi très belle, élégante, et le sert très agréablement. Le chanteur est accompagné par quatre musiciens hors pair qui font beaucoup pour la réussite de cette soirée magnifique, en compagnie des tubes du grand chanteur italien. C’était un rêve pour Santini qu’il peut enfin réaliser : on est heureux de le partager avec lui.
Lorsque l’on débarque le jour même dans la capitale, quoi de mieux pour une première sortie au théâtre que de se laisser guider par une amie enthousiaste ? Rendez-vous fut pris au métro République. “On m’a dit que c’était conceptuel, j’espère que ça ne te fais pas peur ?” Non non bien sûr…. mais je demande à voir. C’est dans quel théâtre ? “C’est pas vraiment un théâtre… tu verras!” Et en effet, il a fallut passer plusieurs fois devant le 45 du faubourg du Temple pour réaliser que cette petite porte sale était bien l’entrée de ce théâtre, ou plutôt cette friche atypique et poétique : la Comète 347. Une fois la porte passée, on est transportés, dépaysés, le calme de cette longue et étroite cour nous donne l’impression de ne plus être du tout à Paris, mais plutôt dans une petite rue endormie d’Avignon au mois de juillet… Au fond, on entre dans un vieux hangar, lieu de la représentation à proprement parler, aménagé… ou presque. Très mal assis sur des espèces de banquettes en gradins, nous surplombons une fosse très étroite dans laquelle seront lachés les comédiens. Cet espace atypique est très intéressant : à la fois proche des acteurs (ce n’est pas très grand) et distants d’eux (nous sommes au-dessus, eux au fond), le spectateur est placé en tant que voyeur encore plus que dans les théâtres habituels. Celui qui nous invite à éteindre nos portables et à passer une bonne soirée n’est autre que l’auteur et le metteur en scène lui-même, Gérard Watkins. Une rapide recherche sur son travail m’apprendra que c’est un habitué des lieux de représentations sortant de l’ordinaire, car il a déjà créé des spectacles au pied d’une tour ou encore dans une piscine municipale. Un militant de la libération du théâtre de ses dorures et velours rouge, il en faut aussi, on applaudit.
La scénographie de Michel Gueldry, bien qu’intéressante, n’éblouit pas, car c’est le répondant des contraintes que s’est fixé l’auteur/metteur en scène : pas de noirs entre les scènes, pas d’entrées ni de sorties, pas de chaises ou de tables, une seule source de lumière (des néons blancs). Un long tapis blanc aux poils longs traverse toute la longueur de l’espace, pouvant faire penser aux dos de moutons conduits en file et contre leur volonté à la tonte. Un rebord dans le mur permet de poser quelques accesoires neutres, quotidiens, banals : bouteilles de vins, verres, assiettes, boite de thon, téléphone, papiers. Pas de noirs, donc aucune mise en ambiance : c’est lorsqu’on voit descendre deux personnes dans la fosse qu’on comprend que ce sont les acteurs et qu’il faut se taire. Si on pouvait rester sceptique jusque là, dès que le verbe commence à glisser et exploser dans cet espace blanc, on est pris.
L’histoire… “Ses deux personnages, Marion et André Klein, sont des déclassés. Elle a décidé de faire la grève de la faim, tandis que lui s’accroche à une chimère. Ayant découvert sur une bouteille de pinard qu’ils peuvent empocher de l’argent en répondant à une question, il ne songe qu’à tenter sa chance. . Etant chacun, par ailleurs, d’une impérieuse lucidité ils dissèquent en s’empoignant régulièrement les temps intenables qu’on vit. Indigné par l’amendement Mariani qui rend légales les recherches sur l’ADN imposées à certains étrangers, Gérard Watkins rappelle par l’intermédiaire de Marion les lois raciales édictées en 1940 sous Pétain. Etaient considérés comme juifs ceux qui avaient trois grands parents qui l’étaient où seulement deux grands parents si leur conjoint appartenait à la “race” honnie.”
Et le texte est extraordinairement bien écrit, c’est le point fort de ce spectacle. On y parle de parents, d’identité, d’adn, de perdition, de pauvreté humaine, d’espoir… On rit souvent, par l’apparente absurdité de certaines situations jouées de façon très naturaliste. Mais on est surtout pris aux trippes par l’histoire de ces deux personnages. Fabien Orcier est magnifique de finesse, de retenue, de naturel, et reste meilleur qu’Anne Lise Heimburger, un peu trop en force. Mais ce sont d’infimes critiques, car leur niveau à tous deux est impressionnant de justesse et d’impact. Le texte est un chef d’oeuvre de beauté, d’humour, de sentiments, de relation, d’interrogations… Il montre l’humain, et ça devient rare. Il mériterait peut-être un théâtre plus grand et une mise en scène plus riche. Mais on rit, on pleure, on applaudit, on a envie de crier “vive le théâtre” et à Gérard Watkins de dire bravo ! Mais surtout merci…
“J’ai écrit ce texte à l’époque où je me trouvais au Sanderkommando. J’ai voulu le laisser, ainsi que de nombreuses autres notes, en souvenir pour le futur monde de paix, afin qu’on sache ce qui s’est passé ici. je l’ai enterré dans les cendres en pensant que c’était l’endroit le plus sûr, où l’on creuserait sûrement afin de retrouver les traces des millions d’hommes qui ont péri… Nous, les membres du Sonderkommando, voulions depuis longtemps mettre fin au terrible travail qu’on nous a forcé à faire sous peine de mort. Nous voulions faire quelque chose de grand. Les hommes du camp, une partie des Juifs, des Russes et des Polonais nous ont retenus de toutes leurs forces et obligés à reporter la date de la révolte. Mais le jour est proche. Il peur survenir aujourd’hui ou demain. J’écris ces lignes au moment du plus grand danger et de la plus grande excitation. Puisse l’avenir prononcer spn jugement sur la base de ses notes, puisse le monde y apercevoir au moins un pâle reflet du monde tragique dans lequel nous avons vécu…”
